En savoir plus sur la collection d'œuvres d'art sur fond d'or

Les peintures sur fond d'or sont de formes et de tailles diverses et étaient utilisées pour la dévotion privée et publique. Certaines œuvres sur fond d'or sont de petites peintures carrées à panneau unique qui représentent la Vierge et l'Enfant dans une pose connue sous le nom d'"Hodegetria". Cela fait référence à la façon dont la main de Marie signale que Jésus, bercé sur ses genoux, est le sauveur de l'humanité.

L'image était particulièrement populaire à Sienne parmi l'ordre naissant des franciscains, fondé en 1209, qui croyait que la Vierge pouvait protéger la ville de la peste, de la sécheresse et de la guerre. Les fidèles de Sienne offraient des cadeaux à ses portraits accrochés à l'intérieur des chapelles, ou allumaient des bougies devant les panneaux peints au coin des rues.

Giovanni del Biondo (Florence, actif 1356-1399),

Deux panneaux d'un polyptyque : Saint Jean l'Évangéliste, avec Sainte Marguerite au-dessus ; et Saint Barthélemy, avec Sainte Catherine d'Alexandrie au-dessus.

D'autres œuvres peuvent comprendre jusqu'à 20 panneaux à fond d'or articulés les uns aux autres, logés dans des cadres élaborés ornés de contreforts, de piliers et de pinacles qui reflètent l'architecture romane et gothique. Ces œuvres peuvent mesurer plus de trois mètres de large et de haut.

Ces œuvres complexes racontent souvent la vie du Christ ou de certains saints, et étaient placées sur les autels pour que le clergé les utilise comme outils didactiques, donnant vie aux écritures et expliquant les leçons de morale aux masses, pour la plupart analphabètes.

Entre les traditions byzantines et les révisions de la Renaissance

La peinture sur fond d'or s'inspire de l'art byzantin, mais pose aussi les bases de la Renaissance.

L'or, contrairement à toute autre couleur, a la capacité d'irradier une lumière chaude et brillante. Et lorsqu'il est observé par la flamme vacillante d'une bougie, l'or brille de vie. C'est pourquoi, depuis le VIe siècle au moins, les artistes chrétiens ont utilisé l'or pour représenter la divinité. Le fond d'or des icônes byzantines est une scène sacrée pour le message du sujet.

Après le sac de la capitale byzantine Constantinople en 1204 par les chevaliers de la quatrième croisade, de nombreuses icônes ont été rapportées en Italie comme butin. Peu de temps après, les artistes italiens ont commencé à adopter leurs motifs, leurs styles et leurs matériaux.

Guido di Piero, Fra Giovanni da Fiesole, connu à titre posthume sous le nom de Fra Angelico

(près de Vicchio, vers 1395/1400-1455 Rome), La Crucifixion avec la Vierge, saint Jean-Baptiste et la Madeleine.

En même temps, ces artistes se sont affranchis de la tradition byzantine des figures rigides, plates et linéaires. Au lieu de cela, ils ont utilisé des demi-teintes pour donner du volume et des ombres pour créer de la profondeur. Ils ajoutent également une profondeur psychologique aux expressions faciales de leurs personnages et utilisent des compositions complexes et des références architecturales pour établir une narration.

Ces principes deviendront les fondements de l'art de la Renaissance.

Le peintre en tant qu'artisan - et aussi membre d'une équipe

Les peintures sur fond d'or étaient réalisées par des équipes d'artisans spécialisés travaillant ensemble. L'un d'entre eux commençait par couper et raboter une planche de bois sec, généralement du peuplier. Cette planche était ensuite recouverte d'une couche de gesso, un mélange de craie et de colle à base de peau d'animal.

Ensuite, le dessin initial était esquissé au fusain sur la surface du panneau, puis le contour était incisé à l'aide d'un scalpel. Ensuite, une couche d'argile brun-rouge appelée "bole" était appliquée autour des lignes incisées. Cette couche sert d'apprêt et donne à l'or une couleur riche et profonde.

La feuille d'or, fabriquée à partir de pièces de monnaie fondues puis pilées en feuilles exceptionnellement fines d'environ cinq centimètres carrés, était ensuite délicatement appliquée sur le bole à l'aide d'un pinceau.

ASSOCIÉ D'AMBROGIO LORENZETTI (SIENNE 1285⁄90-1348)
La Crucifixion avec la Vierge et saint Jean l'Évangéliste

L'or était bruni et poli afin de créer une surface uniforme et brillante. Des motifs de trous minuscules sont ensuite percés à l'aide d'outils tranchants. Ces trous se trouvent généralement dans les halos qui entourent les personnages et sur les bords du tableau. Ils ajoutent de la texture à la surface du panneau et influencent la façon dont la lumière s'y reflète. Chaque atelier a tendance à avoir sa propre signature.

Pour l'étape finale, le peintre ajoute l'image à l'aide de la détrempe, un mélange de pigments et de liant, généralement du jaune d'œuf.

Les artistes à connaître : de Cimabue à Daddi

Ces peintres étaient considérés comme des artisans, plutôt que comme des artistes libres et indépendants dont les noms commençaient à émerger à la Renaissance. Par conséquent, leur identité n'a souvent pas été enregistrée.

Cela ne veut pas dire qu'ils n'ont pas été grassement récompensés. En 1308, alors qu'un travailleur manuel peu qualifié gagnait environ 20 à 25 florins par an, la ville de Sienne a payé 3 000 florins à Duccio di Buoninsegna pour réaliser la Maestà, le retable de sa cathédrale.

Aujourd'hui, les œuvres d'artistes anonymes sont regroupées par les spécialistes en fonction de qualités stylistiques telles que le traitement des cheveux et des mains ou la façon dont ils rendent les plis des draperies. Un nom leur est ensuite attribué en référence à une œuvre notable - souvent un cycle de fresques sur les murs d'une église - comme "le Maître du Baptistère de Parme".

BERNARDO DADDI (ACTIF À FLORENCE, VERS 1318-1348)
Saintes Lucie et Catherine d'Alexandrie : Panneau de prédelle du retable de S. Giorgio a Ruballa

Toutefois, certains noms de peintres parmi les plus influents ont été enregistrés. L'ancêtre de la tradition du fond d'or en Italie est le Florentin Cimabue (vers 1240-1302). Il est suivi par Duccio di Buoninsegna (c.1255-1260-c.1318-1319) et Giotto di Bondone (c.1267-1337), qui travaillait à Florence et était l'élève de Ciambue.

Les héritiers de Duccio à Sienne sont les frères Lorenzetti, Pietro (v. 1280-1348) et Ambrogio (v. 1290-1348), et Simone Martini (v. 1284-1344). À Florence, les héritiers de Giotto sont Andrea di Cione di Orcagna (v. 1308-1368) et Bernardo Daddi (v. 1280-1348).

La plupart des chefs-d'œuvre de la peinture sur fond d'or ont été réalisés par ces huit artistes.

La découverte de la peinture à l'huile et la fin d'une époque

La popularité des œuvres sur fond d'or a pris fin avec le développement de la peinture à l'huile et de la toile. Ces matériaux ont donné aux artistes de nouvelles possibilités d'expression.

Par exemple, la peinture à l'huile permettait de créer de fines couches de couleur presque transparentes, appelées glacis, ou des zones de peinture épaisses, crémeuses et denses, appelées empâtements. Elle leur offrait également une palette infiniment large de tons et de nuances et, contrairement à la détrempe, la liberté de changer d'avis et de retravailler certaines parties d'un tableau.

MAÎTRE DU TRIPTYQUE DE WALLRAF (ACTIF VERS 1360)
Le triptyque de Wallraf : le panneau central : La Vierge à l'Enfant avec les saints Claire et François, et une Clarisse donatrice, l'Annonciation au-dessus ; aile gauche : La Nativité, La Présentation du Christ au Temple, La Cène avec un saint pontife et Le Christ sur le chemin du Calvaire ; aile droite : La Flagellation, La Crucifixion, La Pietà et Le Jugement dernier.

La naissance de la perspective linéaire, souvent attribuée à la fresque de la Sainte Trinité de Masaccio, peinte vers 1428 dans l'église Santa Maria Novella à Florence, a également donné aux artistes un nouvel outil puissant pour donner vie au dogme catholique.

Ce que recherchent les collectionneurs

Les collectionneurs d'orfèvrerie italienne du Moyen Âge ont tendance à privilégier la qualité et l'état de conservation. Une attribution solide et une provenance historique rendent également l'œuvre recherchée.

Les retables complets sont rares et très prisés. Au cours des siècles, beaucoup ont été divisés en plusieurs parties pour être vendus.

Depuis l'avènement des œuvres d'art sur l'or, beaucoup d'artistes ont travaillé avec les feuilles d'or : Rembrandt et Klimt sont deux de mes maîtres anciens préférés qui ont utilisé des feuilles d'or dans leurs peintures. Rembrandt était connu pour appliquer des feuilles d'or à la surface d'une feuille de cuivre, puis pour peindre à l'huile sur la surface dorée. Ses peintures avaient une qualité légère et lumineuse et on peut voir des taches d'or transparaître à certains endroits. L'artiste autrichien Gustav Klimt est largement connu pour les magnifiques œuvres d'art scintillantes qu'il a réalisées pendant sa "phase dorée".

Portrait d'Adele Bloch-Bauer, Gustav Klimt, 1907 (Huile et feuille d'or sur toile)

Alors, et vous que pensez-vous de cette technique ? Avez-vous une œuvre d'art sur fond d'or favorite ?